Menjadi artis terkenal dalam hidup Anda bukan jaminan bahwa artis lain akan mengingat Anda. Pernahkah Anda mendengar tentang pelukis Prancis Ernest Meissonier?

Ia sezaman dengan Edouard Manet dan sejauh ini merupakan artis yang lebih sukses dalam hal pengakuan dan penjualan kritis. Kebalikannya juga benar, dengan Vincent van Gogh. Van Gogh mengandalkan saudara lelakinya, Theo, untuk memberinya cat dan kanvas, namun hari ini lukisannya mengambil harga rekor setiap kali mereka muncul di pelelangan seni, dan dia adalah nama rumah tangga.

Melihat lukisan-lukisan terkenal dulu dan sekarang dapat mengajarkan Anda banyak hal, termasuk komposisi dan penanganan cat. Meskipun mungkin pelajaran yang paling penting adalah bahwa Anda pada akhirnya harus melukis untuk diri sendiri, bukan untuk pasar atau keturunan.

"Night Watch" - Rembrandt

Lukisan "Night Watch" karya Rembrandt berada di Rijksmuseum di Amsterdam. Seperti yang ditunjukkan foto, itu adalah lukisan besar: 363x437cm (143x172 "). Rembrandt menyelesaikannya pada tahun 1642. Judul aslinya adalah" Perusahaan Frans Banning Cocq dan Willem van Ruytenburch, "tetapi lebih dikenal sebagai Night Watch. (Perusahaan yang menjadi penjaga milisi).

Komposisi lukisan itu sangat berbeda untuk periode itu. Alih-alih menunjukkan figur-figur dengan rapi, teratur, di mana setiap orang diberi keunggulan dan ruang yang sama di atas kanvas, Rembrandt telah melukis mereka sebagai kelompok yang sibuk beraksi.

Sekitar 1715 sebuah perisai dicat ke "Night Watch" yang berisi nama-nama 18 orang, tetapi hanya beberapa nama yang pernah diidentifikasi. (Jadi ingat jika Anda melukis potret kelompok: buatlah diagram di bagian belakang untuk menuliskan nama semua orang sehingga generasi mendatang akan tahu!) Pada bulan Maret 2009, sejarawan Belanda Bas Dudok van Heel akhirnya mengungkap misteri siapa yang berada dalam lukisan itu. Penelitiannya bahkan menemukan barang-barang pakaian dan aksesoris yang tergambar dalam "Night Watch" yang disebutkan dalam inventaris perkebunan keluarga, yang kemudian ia susun dengan usia berbagai milisi pada tahun 1642, tahun di mana lukisan itu selesai.

Dudok van Heel juga menemukan bahwa di aula di mana "Night Watch" Rembrandt pertama kali digantung, ada enam potret kelompok seorang milisi yang semula ditampilkan dalam rangkaian berkelanjutan, bukan enam lukisan terpisah seperti yang telah lama dipikirkan. Sebaliknya, potret kelompok enam oleh Rembrandt, Pickenoy, Bakker, Van der Helst, Van Sandrart, dan Flinck membentuk dekorasi tanpa putus yang cocok satu sama lain dan dipasang di panel kayu ruangan. Atau, itulah niatnya. "Night Watch" karya Rembrandt tidak cocok dengan lukisan lain baik dalam komposisi maupun warna. Tampaknya Rembrandt tidak mematuhi ketentuan komisinya. Tapi kalau begitu, kita tidak akan pernah memiliki potret kelompok abad ke-17 yang sangat berbeda ini.

"Kelinci" - Albrecht Dürer

Biasa disebut sebagai kelinci Dürer, judul resmi lukisan ini menyebutnya kelinci. Lukisan itu adalah koleksi permanen Koleksi Batliner dari Museum Albertina di Wina, Austria.

Itu dicat menggunakan cat air dan guas, dengan highlight putih dilakukan dalam guas (daripada menjadi putih kertas yang tidak dicat).

Ini adalah contoh spektakuler tentang bagaimana bulu dapat dicat. Untuk menirunya, pendekatan yang Anda ambil tergantung pada seberapa banyak kesabaran yang Anda miliki. Jika Anda memiliki jumlah besar sekali, Anda akan melukis menggunakan kuas tipis, satu rambut setiap kali. Jika tidak, gunakan teknik sikat kering atau pisahkan rambut pada sikat. Kesabaran dan daya tahan sangat penting. Bekerja terlalu cepat pada cat basah, dan stroke individu berisiko tercampur. Jangan melanjutkan cukup lama dan bulunya akan tampak usang.

Sistine Chapel Ceiling Fresco - Michelangelo

Lukisan karya Michelangelo dari langit-langit Kapel Sistine adalah salah satu lukisan dinding paling terkenal di dunia.

Kapel Sistine adalah kapel besar di Istana Apostolik, kediaman resmi Paus (pemimpin Gereja Katolik) di Kota Vatikan. Ia memiliki banyak lukisan dinding yang dilukis di dalamnya, oleh beberapa nama terbesar Renaissance, termasuk lukisan dinding oleh Bernini dan Raphael, namun paling terkenal dengan lukisan dinding di langit-langit oleh Michelangelo.

Michelangelo lahir pada tanggal 6 Maret 1475 dan meninggal pada tanggal 18 Februari 1564. Ditugaskan oleh Paus Julius II, Michelangelo bekerja di langit-langit Kapel Sistina dari Mei 1508 hingga Oktober 1512 (tidak ada pekerjaan yang dilakukan antara September 1510 dan Agustus 1511). Kapel diresmikan pada tanggal 1 November 1512, pada Pesta Semua Orang Suci.

Kapel itu memiliki panjang 40, 23 meter, lebar 13, 40 meter, dan langit-langit 20, 70 meter di atas tanah pada titik tertinggi ¹. Michelangelo melukis serangkaian adegan Alkitab, para nabi, dan leluhur Kristus, serta trompe l'oeil atau fitur arsitektur. Area utama langit-langit menggambarkan kisah-kisah dari kisah-kisah dalam kitab Kejadian, termasuk penciptaan manusia, kejatuhan manusia dari anugerah, air bah, dan Nuh.

Sistine Chapel Ceiling: A Detail

Panel yang memperlihatkan penciptaan manusia mungkin adalah adegan paling terkenal di lukisan terkenal karya Michelangelo di langit-langit Kapel Sistine.

Kapel Sistine di Vatikan memiliki banyak lukisan dinding yang dilukis di dalamnya, namun paling terkenal dengan lukisan dinding di langit-langit oleh Michelangelo. Restorasi ekstensif dilakukan antara 1980 dan 1994 oleh para pakar seni Vatikan, menghilangkan asap dari lilin selama berabad-abad dan pekerjaan restorasi sebelumnya. Ini mengungkapkan warna yang jauh lebih terang dari yang diperkirakan sebelumnya.

Pigmen yang digunakan Michelangelo termasuk oker untuk merah dan kuning, silikat besi untuk hijau, lapis lazuli untuk blues, dan arang untuk hitam. ¹ Tidak semuanya dicat dengan detail sebanyak yang pertama kali muncul. Misalnya gambar di latar depan dicat lebih detail daripada di latar belakang, menambah rasa kedalaman di langit-langit.

Lebih lanjut tentang Kapel Sistine:

• Museum Vatikan: Kapel Sistine

• Tur Virtual Kapel Sistine

Sumber:

1 Museum Vatikan: Kapel Sistine, situs web Negara Kota Vatikan, diakses pada 9 September 2010.

Leonardo da Vinci Notebook

Seniman Renaissance Leonardo da Vinci terkenal tidak hanya karena lukisannya tetapi juga buku catatannya. Foto ini menunjukkan satu di V&A Museum di London.

Museum V&A di London memiliki lima buku catatan Leonardo da Vinci dalam koleksinya. Yang ini, dikenal sebagai Codex Forster III, digunakan oleh Leonardo da Vinci antara 1490 dan 1493 ketika ia bekerja di Milan untuk Duke Ludovico Sforza.

Ini notebook kecil, jenis ukuran yang bisa Anda simpan dengan mudah di saku jas. Itu diisi dengan segala macam ide, catatan, dan sketsa, termasuk "sketsa kaki kuda, gambar topi dan pakaian yang mungkin merupakan ide kostum di bola, dan penjelasan tentang anatomi kepala manusia." ¹ Meskipun Anda tidak dapat membalik halaman buku catatan di museum, Anda dapat halaman secara online.

Membaca tulisan tangannya tidak mudah, antara gaya kaligrafi dan penggunaan penulisan cermin (mundur, dari kanan ke kiri) tetapi beberapa orang merasa tertarik melihat bagaimana ia memasukkan segala macam ke dalam satu buku catatan. Ini notebook yang berfungsi, bukan barang pameran. Jika Anda pernah khawatir bahwa jurnal kreativitas Anda entah bagaimana tidak dilakukan atau diatur dengan benar, ambil pimpinan Anda dari master ini: lakukan sesuai kebutuhan.

_Sumber:

_{1. Jelajahi Kodeks Forster, Museum V&A. (Diakses 8 Agustus 2010.)}

"The Mona Lisa" - Leonardo da Vinci

Lukisan "Mona Lisa" karya Leonardo da Vinci, di Louvre di Paris, bisa dibilang adalah lukisan paling terkenal di dunia. Ini mungkin juga contoh paling terkenal dari sfumato, teknik melukis yang sebagian bertanggung jawab atas senyum misteriusnya.

Ada banyak spekulasi tentang siapa wanita dalam lukisan itu. Itu dianggap potret Lisa Gherardini, istri pedagang kain Florentine bernama Francesco del Giocondo. (Penulis seni abad ke-16 Vasari adalah salah satu yang pertama menyarankan ini, dalam "Lives of the Artists"). Juga disarankan alasan senyumnya adalah karena dia hamil.

Sejarawan seni tahu bahwa Leonardo telah memulai "Mona Lisa" pada tahun 1503, karena catatan itu dibuat pada tahun itu oleh pejabat senior Florentine, Agostino Vespucci. Ketika dia selesai, itu kurang pasti. Louvre awalnya mengabadikan lukisan itu menjadi 1503-06, tetapi penemuan yang dibuat pada 2012 menunjukkan bahwa lukisan itu mungkin sudah satu dekade kemudian sebelum diselesaikan berdasarkan latar belakang yang didasarkan pada gambar batu yang diketahui telah ia lakukan pada tahun 1510 -15. ¹ Louvre mengubah tanggal menjadi 1503-19 pada Maret 2012.

Sumber:

1. Mona Lisa dapat diselesaikan satu dekade lebih lambat dari yang diperkirakan dalam The Art Newspaper, oleh Martin Bailey, 7 Maret 2012 (diakses 10 Maret 2012)

Pelukis Terkenal: Monet at Giverny

Foto Referensi untuk Lukisan: Monet's "Garden at Giverny."

Salah satu alasan mengapa pelukis impresionis Claude Monet begitu terkenal adalah lukisannya tentang pantulan di kolam teratai yang ia ciptakan di taman besarnya di Giverny. Itu mengilhami selama bertahun-tahun, sampai akhir hidupnya. Dia membuat sketsa ide-ide untuk lukisan yang terinspirasi oleh kolam, dan dia menciptakan lukisan kecil dan besar baik sebagai karya individu maupun seri.

Tanda Tangan Claude Monet

Contoh bagaimana Monet menandatangani lukisannya adalah dari salah satu lukisan bunga teratai. Anda dapat melihat dia menandatanganinya dengan nama dan nama keluarga (Claude Monet) dan tahun (1904). Ada di sudut kanan bawah, cukup jauh sehingga tidak akan terpotong oleh bingkai.

Nama lengkap Monet adalah Claude Oscar Monet.

"Impression Sunrise" - Monet

Lukisan karya Monet ini memberi nama pada gaya seni impresionis. Dia memamerkannya pada tahun 1874 di Paris dalam apa yang kemudian dikenal sebagai Pameran Impresionis Pertama.

Dalam ulasannya tentang pameran yang ia beri judul "Pameran Impresionis, " kritikus seni Louis Leroy mengatakan:

_Sumber:

_{1. "L'Exposition des Impressionnistes" oleh Louis Leroy, Le Charivari, 25 April 1874, Paris. Diterjemahkan oleh John Rewald dalam The History of Impressionism, Moma, 1946, p256-61; dikutip dalam Salon to Biennial: Pameran yang Membuat Sejarah Seni oleh Bruce Altshuler, Phaidon, p42-43.}

Seri "tumpukan jerami" - Monet

Monet sering melukis serangkaian subjek yang sama untuk menangkap efek perubahan cahaya, menukar kanvas seiring berjalannya hari.

Monet melukis banyak subjek berulang-ulang, tetapi setiap lukisan seri-nya berbeda, apakah itu lukisan bunga teratai atau tumpukan jerami. Karena lukisan-lukisan Monet tersebar dalam koleksi-koleksi di seluruh dunia, biasanya hanya dalam pameran-pameran khusus bahwa lukisan-lukisan serinya dipandang sebagai sebuah kelompok. Untungnya, Institut Seni di Chicago memiliki beberapa lukisan tumpukan jerami Monet dalam koleksinya, karena mereka membuat tontonan yang mengesankan bersama:

• Stack of Wheat
• Lelehkan, Sunset
• Matahari Terbenam, Efek Salju
• Efek Salju, Hari Mendung
• Akhir musim panas

Pada Oktober 1890 Monet menulis surat kepada kritikus seni Gustave Geffroy tentang seri tumpukan jerami yang ia lukis, dengan mengatakan:

"Aku keras dalam hal itu, bekerja keras kepala pada serangkaian efek yang berbeda, tetapi pada saat ini matahari terbenam begitu cepat sehingga tidak mungkin untuk mengikutinya … semakin jauh saya dapatkan, semakin saya melihat bahwa banyak pekerjaan yang harus dilakukan untuk membuat apa yang saya cari: 'instanitas', 'amplop' di atas segalanya, cahaya yang sama tersebar di segala sesuatu … Saya semakin terobsesi dengan kebutuhan untuk membuat apa yang saya pengalaman, dan saya berdoa agar saya akan memiliki beberapa tahun yang baik tersisa untuk saya karena saya pikir saya dapat membuat beberapa kemajuan ke arah itu … " ¹

^Sumber:

^{1. Monet oleh Himself, p172, diedit oleh Richard Kendall, MacDonald & Co, London, 1989.}

"Lili Air" - Claude Monet

Claude Monet, "Lili Air, " c. 19140-17, minyak di atas kanvas. Ukuran 65 3/8 x 56 inci (166.1 x 142.2 cm). Dalam koleksi Museum Seni Rupa San Francisco.

Monet mungkin yang paling terkenal dari kaum Impresionis, terutama untuk lukisannya tentang pantulan di kolam teratai di taman Giverny-nya. Lukisan khusus ini menunjukkan sedikit awan di sudut kanan atas, dan blues langit yang berbintik-bintik seperti tercermin di air.

Jika Anda mempelajari foto-foto taman Monet, seperti kolam lily Monet dan bunga lily ini, dan membandingkannya dengan lukisan ini, Anda akan merasakan bagaimana Monet mengurangi detail dalam seninya, termasuk hanya esensi dari pemandangan, atau kesan pantulan, air, dan bunga bakung. Klik tautan "Lihat ukuran penuh" di bawah foto di atas untuk versi yang lebih besar di mana lebih mudah untuk merasakan sapuan kuas Monet.

Penyair Prancis Paul Claudel berkata:

"Berkat air, telah menjadi pelukis dari apa yang tidak bisa kita lihat. Dia menyapa permukaan spiritual yang tak terlihat yang memisahkan cahaya dari refleksi. Airy biru tawanan dari cairan biru … Warna naik dari dasar air di awan, di pusaran air."

^Sumber:

Halaman 262 Seni Abad Kita, oleh Jean-Louis Ferrier dan Yann Le Pichon

Tanda Tangan Camille Pissarro

Pelukis Camille Pissarro cenderung kurang dikenal daripada banyak orang sezamannya (seperti Monet) tetapi memiliki tempat unik dalam timeline seni. Dia bekerja baik sebagai seorang Impresionis dan Neo-Impresionis, serta mempengaruhi seniman-seniman yang sekarang terkenal seperti Cézanne, Van Gogh, dan Gauguin. Dia adalah satu-satunya seniman yang memamerkan delapan pameran Impresionis di Paris dari tahun 1874 hingga 1886.

Potret Diri Van Gogh (1886/1887)

Potret oleh Vincent van Gogh ini ada dalam koleksi Institut Seni Chicago. Itu dicat menggunakan gaya yang mirip dengan Pointillism tetapi tidak menempel pada titik-titik saja.

Dalam dua tahun ia tinggal di Paris, dari tahun 1886 hingga 1888, Van Gogh melukis 24 potret diri. Institut Seni Chicago menggambarkan ini sebagai mempekerjakan "teknik titik" Seurat bukan sebagai metode ilmiah, tetapi "bahasa emosional yang intens" di mana "titik-titik merah dan hijau mengganggu dan benar-benar sesuai dengan ketegangan saraf yang jelas dalam van Gogh's tatapan."

Dalam sebuah surat beberapa tahun kemudian kepada saudara perempuannya, Wilhelmina, Van Gogh menulis:

"Saya melukis dua gambar diri saya akhir-akhir ini, salah satunya memiliki karakter yang sebenarnya, saya pikir, meskipun di Belanda mereka mungkin akan mencemooh ide-ide tentang lukisan potret yang sedang berkecambah di sini … Saya selalu berpikir foto-foto itu keji, dan saya tidak suka memiliki mereka di sekitar, terutama orang-orang yang saya kenal dan cintai …. potret fotografi layu lebih cepat daripada kita sendiri, sedangkan potret yang dilukis adalah sesuatu yang dirasakan, dilakukan dengan cinta atau rasa hormat kepada manusia yang digambarkan."

Sumber:

Mempetisi ke Wilhelmina van Gogh, 19 September 1889

Tanda Tangan Vincent van Gogh

Menempatkan cat di atas kanvas tentu saja merupakan arah baru bagi Hirst dan, di mana Hirst pergi, siswa seni cenderung mengikuti. Lukisan minyak bisa menjadi trendi lagi.

Panduan About.com untuk Perjalanan London, Laura Porter, pergi ke pratinjau pers pameran Hirst dan mendapat jawaban untuk satu pertanyaan yang ingin saya ketahui: Pigmen biru apa yang ia gunakan?

Laura diberi tahu bahwa itu "biru Prusia untuk semua kecuali satu dari 25 lukisan, yang berwarna hitam." Tidak heran warnanya biru gelap dan membara!

Pengkritik seni Adrian Searle dari The Guardian tidak terlalu menyukai lukisan-lukisan Hirst:

"Paling buruk, gambar Hirst hanya terlihat amatir dan remaja. Sapuan kuasnya tidak memiliki keuletan dan kepanikan yang membuatmu percaya pada kebohongan pelukis. Dia belum bisa membawanya." ²

_Sumber:

_{1 Hirst 'Menyerahkan Hewan yang Diangkat', BBC News, 1 Oktober 2009}

_{2. "Lukisan Damien Hirst adalah Deadly Dull, " Adrian Searle, Guardian, 14 Oktober 2009.}

Artis Terkenal: Antony Gormley

Antony Gormley adalah seniman Inggris yang mungkin paling terkenal karena patungnya Angel of the North, diresmikan pada tahun 1998. Itu berdiri di Tyneside, timur laut Inggris, di sebuah situs yang dulunya sebuah tambang batu bara, menyambut Anda dengan sayap selebar 54 meter.

Pada bulan Juli 2009 karya seni instalasi Gormley di Fourth Plinth di Trafalgar Square di London melihat seorang sukarelawan berdiri selama satu jam di plinth, 24 jam sehari, selama 100 hari. Berbeda dengan alas lainnya di Trafalgar Square, alas keempat langsung di luar Galeri Nasional, tidak memiliki patung permanen di atasnya. Beberapa peserta adalah seniman sendiri, dan membuat sketsa sudut pandang mereka yang tidak biasa (foto).

Antony Gormley lahir pada 1950, di London. Ia belajar di berbagai perguruan tinggi di Inggris dan Budha di India dan Sri Lanka, sebelum memusatkan perhatian pada seni patung di Slade School of Art di London antara tahun 1977 dan 1979. Pameran tunggalnya yang pertama adalah di Galeri Seni Whitechapel pada tahun 1981. Pada tahun 1994 Gormley memenangkan Turner Prize dengan "Field for the British Isles" -nya.

Biografinya di situs webnya mengatakan:

… Antony Gormley telah menghidupkan kembali citra manusia dalam seni pahat melalui penyelidikan radikal terhadap tubuh sebagai tempat ingatan dan transformasi, menggunakan tubuhnya sendiri sebagai subjek, alat, dan bahan. Sejak 1990 ia telah memperluas perhatiannya dengan kondisi manusia untuk mengeksplorasi tubuh kolektif dan hubungan antara diri dan lainnya dalam instalasi berskala besar …

Gormley tidak menciptakan tipe figur yang dia lakukan karena dia tidak bisa membuat patung bergaya tradisional. Sebaliknya dia menikmati kesenangan dari perbedaan dan kemampuan yang mereka berikan kepada kita untuk menafsirkannya. Dalam sebuah wawancara dengan The Times ¹, dia berkata:

"Patung tradisional bukan tentang potensi, tetapi tentang sesuatu yang sudah lengkap. Mereka memiliki otoritas moral yang menindas daripada kolaboratif. Karya saya mengakui kekosongan mereka."

^Sumber:

^{Antony Gormley, Pria yang Pecah Cetakan oleh John-Paul Flintoff, The Times, 2 Maret 2008.}

Pelukis Inggris Kontemporer Terkenal

Dari kiri ke kanan, seniman Bob dan Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula Rego, Michael Craig-Martin, Maggi Hambling, Brian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Peter Blake, dan Alison Watt.

Kesempatan itu adalah melihat lukisan Diana dan Actaeon oleh Titian (tak terlihat, ke kiri) di Galeri Nasional di London, dengan tujuan mengumpulkan dana untuk membeli lukisan untuk galeri.

Artis Terkenal: Lee Krasner dan Jackson Pollock

Dari dua pelukis ini, Jackson Pollock lebih terkenal daripada Lee Krasner, tetapi tanpa dukungan dan promosi karya seninya, ia mungkin tidak memiliki tempat dalam timeline seni yang ia lakukan. Keduanya dilukis dengan gaya ekspresionis abstrak. Krasner berjuang untuk mendapatkan pujian kritis dalam haknya sendiri, daripada hanya dianggap sebagai istri Pollock. Krasner meninggalkan warisan untuk mendirikan Pollock-Krasner Foundation, yang memberikan hibah kepada seniman visual.

Kuda-kuda Easel dari Louis Aston Knight

Louis Aston Knight (1873-1948) adalah seorang seniman Amerika kelahiran Paris yang dikenal karena lukisan pemandangannya. Dia awalnya dilatih di bawah ayah artisnya, Daniel Ridgway Knight. Dia menunjukkan di Salon Perancis untuk pertama kalinya pada tahun 1894 dan terus melakukannya sepanjang hidupnya sambil juga mendapatkan pujian di Amerika. Lukisannya The Afterglow dibeli pada tahun 1922 oleh Presiden AS Warren Harding untuk Gedung Putih.

Foto dari Archives of American Art ini, sayangnya, tidak memberi kami lokasi, tetapi Anda harus berpikir bahwa setiap seniman yang mau mengarungi air dengan tangga-kuda dan catnya sangat berdedikasi untuk mengamati alam atau pemain sandiwara.

1897: Kelas Seni Wanita

Foto ini dari tahun 1897 dari Archives of American Art menunjukkan kelas seni wanita dengan instruktur William Merritt Chase. Di era itu, pria dan wanita menghadiri kelas seni secara terpisah, di mana, karena perkembangan zaman, wanita cukup beruntung untuk bisa mendapatkan pendidikan seni sama sekali.

Art Summer School c.1900

Siswa seni di kelas musim panas Sekolah Seni St Paul, Mendota, Minnesota, difoto pada tahun 1900 dengan guru Burt Harwood.

Selain mode, sunhats besar sangat praktis untuk melukis di luar rumah karena membuat sinar matahari keluar dari mata Anda dan membuat wajah Anda terbakar matahari (seperti halnya atasan berlengan panjang).

"Kapal Nelson dalam Botol" - Yinka Shonibar

Terkadang skala karya seni yang memberikan dampak dramatis, jauh lebih dari subjek. "Kapal Nelson dalam Botol" oleh Yinka Shonibar adalah bagian yang demikian.

"Kapal Nelson dalam Botol" oleh Yinka Shonibar adalah kapal setinggi 2, 35 meter di dalam botol yang bahkan lebih tinggi. Ini adalah replika skala 1:29 dari kapal induk Laksamana Nelson, HMS Victory.

"Kapal Nelson dalam Botol" muncul di Plinth Keempat di Trafalgar Square di London pada 24 Mei 2010. Plinth Keempat berdiri kosong dari 1841 hingga 1999, ketika yang pertama dari serangkaian karya seni kontemporer yang sedang berlangsung, ditugaskan khusus untuk alas oleh Grup Komisioning Lapis Keempat.

Karya seni sebelum "Kapal Nelson dalam Botol" adalah One & Other oleh Antony Gormley, di mana orang yang berbeda berdiri di atas alas selama satu jam, sekitar jam, selama 100 hari.

Dari 2005 hingga 2007 Anda bisa melihat patung karya Marc Quinn, Alison Lapper Pregnant, dan mulai November 2007 adalah Model untuk Hotel 2007 oleh Thomas Schutte.

Desain batik di layar "Kapal Nelson dalam Botol" dicetak tangan oleh seniman di atas kanvas, terinspirasi oleh kain dari Afrika dan sejarahnya. Botol 5x2.8 meter, terbuat dari kaca bukan kaca, dan botol yang terbuka cukup besar untuk masuk ke dalam untuk membangun kapal.