APA YANG PERLU TERJADI UNTUK MENCIPTAKAN EKONOMI KOMIK YANG DAPAT BERLAKU UNTUK PENCIPTA N. AMERIKA?
Ketika kami pertama kali mulai melihat keadaan disfungsional untuk pencipta komik Barat yang bekerja dalam gaya yang dipengaruhi manga dalam Membuat Hidup di Manga Bagian 1, kami menguraikan 9 alasan mengapa ekosistem pembuatan manga di Amerika Utara rusak. Di Bagian 2, kami memeriksa efek dari label manga "Bahasa Inggris Asli (OEL). Di Bagian 3, kami berbicara tentang kesenjangan pelatihan, dan bagaimana sekolah seni mempersiapkan / tidak mempersiapkan calon seniman untuk karier dalam komik. Dalam Pembuatan a Living in Manga Part 4, kami melihat lebih dekat pada sisi penerbitan pembuatan manga, termasuk penerbitan sendiri dan pengadaan kerumunan orang melalui Kickstarter, preferensi penerbit untuk adaptasi novel grafis kerja-disewa / grafis dari karya vs karya asli, dan prospek pekerjaan bagi seniman non-Jepang yang pergi ke Jepang untuk menggambar komik di tanah air manga.
Ini semua membawa kita ke Bagian 5, bagian terakhir dari seri Making a Living in Manga kami, di mana kami mencoba menjelaskan mengapa kami tidak bisa membuat apa yang bekerja di Jepang bekerja di Amerika Utara dan mencoba untuk mengajukan beberapa ide tentang bagaimana untuk mengambil lagu sedih ini dan membuatnya lebih baik. Kita mulai dengan lima ide, lalu di Bagian 6 (!) Kita menutup beberapa hal dengan lima hal lagi untuk dipertimbangkan.
BAGAIMANA ANDA MEMBUAT HIDUP DI MANGA? TAMPILKAN AKU UANG
Seperti yang dikatakan oleh pembuat komik Kanada, Svetlana Chmakova sebelumnya, harus ada ruang bagi para pencipta Amerika Utara yang terinspirasi oleh manga untuk menceritakan kisah-kisah Amerika Utara yang unik. Cerita-cerita ini sedang dibuat, tetapi sangat sedikit dari mereka yang diterbitkan oleh komik utama / penerbit novel grafis, dan bahkan lebih sedikit dibeli oleh pembaca manga / komik, dibandingkan dengan jumlah seniman yang ingin membuat komik semacam ini. Apa yang diperlukan untuk memberikan peluang (pembayaran) yang layak bagi banyak pencipta komik yang terinspirasi oleh manga yang mencoba membuat jejak mereka dalam bisnis saat ini?
Beberapa seniman telah menyarankan bahwa penerbit harus mengambil lebih banyak peluang pada cerita asli, dan membayar lebih (tarif halaman dan royalti yang lebih tinggi) untuk pembuat komik sehingga mereka dapat memperoleh upah yang layak. Tetapi jika Anda seorang penerbit, mencoba untuk tetap bertahan dalam industri yang mengalami perubahan luar biasa berkat pertumbuhan penerbitan digital, apakah Anda akan membayar artis yang belum dicoba untuk menciptakan karya yang mungkin atau mungkin tidak dijual, dan mungkin atau mungkin tidak dibeli oleh seorang pembaca yang telah menunjukkan bahwa mereka enggan membeli cerita asli?
Tentu, penerbit telah melempar dadu pada pertaruhan jangka panjang yang telah terbayar di masa lalu, tetapi ingat, masih ada banyak tempat sampah sisa toko buku dan rak-rak izin di toko-toko komik yang dipenuhi dengan salinan " manga bahasa Inggris asli" yang berdebu yang hampir tidak bisa diberikan. Karya-karya asli yang tampaknya berhasil memilih untuk tidak menjual diri mereka sebagai " manga asli, " tetapi hanya sebagai "komik." Banyak yang belajar dengan cara yang sulit bahwa pembaca manga tidak akan hanya membuang uang untuk cerita gaya ' manga '. Itu bukan masalah karena buku-buku ini tidak diberi kesempatan yang adil karena mereka dianggap sebagai manga "palsu" - banyak dari mereka tidak begitu baik.
Dan ini bukan hanya masalah perubahan label - ini berarti para seniman memperhatikan dengan seksama karya mereka dan bertanya pada diri sendiri, 'dapatkah pembaca komik, (misalnya seseorang yang biasanya tidak membaca manga Jepang) "mendapatkan" cerita ini?' Rata-rata pembaca buku komik Amerika Utara Anda mungkin tidak akan mengerti mengapa karakter Anda memiliki keringat yang besar di sebelah wajah mereka ketika mereka cemas atau mungkin tidak berhubungan dengan percintaan yang terjadi di sekolah menengah Jepang. (Maksudku benar-benar. Jika kamu tidak pergi ke sekolah di Jepang, mengapa kamu menciptakan percintaan di sekolah menengah Jepang?)
Sebanyak yang Anda inginkan, pasar komik Amerika Utara sangat berbeda dari pasar Jepang, jadi Anda tidak dapat menggunakan apa yang bekerja di Jepang dan berharap itu akan terbang ke sini. Segalanya tidak sesederhana itu.
Bagi para pencipta, sangat mudah untuk menunjuk penerbit untuk tidak mengambil lebih banyak komik yang terinspirasi oleh komik untuk diterbitkan. Namun, beban dan kesalahan untuk keadaan saat ini tidak semestinya hanya ditanggung penerbit. Seperti yang saya katakan, kita perlu beberapa hal sekaligus:
Pembuat konten yang secara konsisten dapat membuat konten asli berkualitas tinggi
Penerbit yang bersedia menerbitkan dan mempromosikan konten asli
Pengecer yang bersedia untuk menyimpan dan menjual buku-buku ini
Pembaca yang bersedia mendukung dan membayar untuk konten asli.
Perhatikan bagian terakhir: MEMBAYAR untuk konten asli. Tentu saja, ada banyak komik web yang dapat Anda baca secara gratis di luar sana, dan mungkin lebih banyak komik yang dapat Anda unduh dalam sehari daripada yang bisa Anda baca seumur hidup. Hanya karena Anda dapat membacanya secara gratis, bukan berarti itu tidak layak dibayar. Namun, saya juga harus menambahkan bahwa pembuat konten perlu meningkatkan dan membuat konten komik berkualitas tinggi yang layak dibeli. Tapi saya akan membahasnya segera.
Teka-teki 'semua konten harus gratis' bukan hanya masalah industri komik. Esai baru-baru ini yang ditulis oleh magang musik di National Public Radio yang mengakui bahwa ia memiliki puluhan ribu lagu di komputernya, tetapi hanya membeli 15 CD seumur hidupnya mendapat banyak buzz. Ini hanya diperkuat ketika seorang profesor musisi-berubah-ekonomi menanggapi dengan bantahan yang diposting di The Trichordist tentang bagaimana industri musik telah berubah karena pola pikir konsumen ini, dan bukan menjadi lebih baik.
Lupakan gagasan romantis tentang artis yang kelaparan, yang hanya menggambar untuk cinta penciptaan dan berbagi apa yang mereka buat dengan siapa saja yang ingin melakukannya secara gratis. Serius. F * ck itu. Seniman berhak mendapatkan bayaran untuk apa yang mereka lakukan, dan itu termasuk para seniman, penulis, editor, desainer grafis, dan semua orang yang membuat komik yang Anda suka baca. Ya, itu menyenangkan untuk menggambar, tetapi pembuat komik memiliki pembayaran mobil, pinjaman kuliah, sewa untuk membayar, dan sering kali anak-anak memberi makan juga. Saya tidak berpikir banyak pencipta komik berharap menjadi kaya raya, tetapi apakah terlalu banyak untuk meminta untuk dapat membuat karier dari komik?
KOMIK DI JEPANG VS. AMERIKA UTARA: LET'S CRUNCH THE NUMBERS
Jadi bagaimana para pencipta manga seperti Eiichiro Oda (One Piece) dan Rumiko Takahashi (Ranma ½) sering membuat daftar pembayar pajak top Jepang (artinya mereka menghasilkan uang serius)? Yah, mungkin karena bisnis penerbitan manga Jepang memompa dan menjual lebih banyak manga daripada rekan-rekannya di Amerika Utara.
Secara sederhana, manga dibaca oleh proporsi yang lebih tinggi dari populasi Jepang setiap hari. Di Jepang, anak-anak, remaja, dewasa, dan bahkan senior membaca manga. Orang-orang Jepang praktis adalah konsumen komik buaian.
Bandingkan dan bandingkan ini dengan Amerika Utara, di mana sebagian besar orang Amerika tidak dapat mengingat kapan terakhir kali mereka pergi ke toko komik, apalagi membaca komik yang tidak ada di koran Minggu mereka.
Anda ingin beberapa nomor mendukung ini? Aku punya beberapa untukmu.
Penjualan novel grafis pada tahun 2011
Amerika Utara (bukan hanya manga): $ 680 juta *
Jepang: ¥ 271, 71 miliar yen / $ 3, 533 miliar ** (ya, miliar dengan huruf "b")
Novel grafis volume tunggal terlaris tahun 2011:
Amerika Utara: Dork Diaries: Kisah-kisah dari Party Girl yang Tidak Begitu Populer (Aladdin) oleh Rachel Renee Russell - 157.786 eksemplar terjual *
Jepang: One Piece Volume 61 oleh Eiichiro Oda (Shueisha) - 3, 3 juta kopi terjual **
Daftar buku terlaris Amerika Utara mencerminkan angka Bookscan, yang terutama menangkap penjualan di toko buku online dan offline, dan tidak banyak toko komik. Yang mengatakan, Anda harus pergi jauh ke bawah daftar Bookscan untuk sampai ke novel grafis 'toko komik' terlaris, The Walking Dead Compendium Volume 1 oleh Robert Kirkman, Charlie Adlard, Cliff Rathburn, dan Tony Moore (Image Comics), yang terjual 35.365 eksemplar.
Seri novel grafis terlaris tahun 2011:
Amerika Utara: The Walking Dead terjual 359.000 kopi, menghasilkan penjualan $ 8, 7 juta.
Jepang: One Piece Hampir 38 juta kopi (37.996.373 eksemplar)
Ya. One Piece menjual lebih banyak The Walking Dead dengan rasio hampir 100: 1. Oke, saya akui bahwa pada tahun 2011, ada 61 volume One Piece tersedia dengan harga sekitar $ 5 masing-masing (di Jepang), ditambah berbagai buku seni dan buku pendamping, dibandingkan dengan mengatakan, 13 volume The Walking Dead + $ 60 hardcover compendium dan berbagai edisi lainnya. Tetapi bahkan ketika Anda memperhitungkan faktor-faktor itu, perbedaan skalanya sangat mengejutkan.
Manga 'asli' terlaris di tahun 2011 *:
Twilight: The Graphic Novel Volume 2 oleh Stephenie Meyer dan Young Kim (Yen Press) - 34.297 eksemplar terjual
Scott Pilgrim Volume 1 oleh Bryan Lee O'Malley (Oni Press) - 30.885 eksemplar terjual
Volume Maksimum Naik 4 oleh James Patterson dan NaRae Lee (Yen Press) - 23.349 eksemplar terjual
Hanya ingin membandingkan penjualan manga di Jepang dan Amerika Utara? Kita juga bisa melakukannya. Saya membandingkan Bookscan Mei 2012 dan laporan penjualan Oricon Juni 2011 untuk penjualan Naruto Volume 56 oleh Masashi Kishimoto (Shueisha / VIZ Media), yang menangkap penjualan volume ini ketika mulai dijual di Amerika Utara dan Jepang. Pada akhir Mei 2012, penjualan Naruto Volume 56 edisi VIZ Media (yang mencapai rak-rak Amerika Utara pada 8 Mei 2012) adalah 6.348 eksemplar. Di Jepang, Naruto Volume 56 edisi Shueisha terjual 218.000 kopi dalam SATU MINGGU.
Bandingkan dan bandingkan ini dengan angka-angka yang diberikan oleh Jim Zubkavich (alias Jim Zub), penulis Skullkickers yang berbasis di Toronto, sebuah komik yang dimiliki pencipta yang diterbitkan oleh Image Comics. Jim bukan hanya seorang penulis - ia juga seorang guru dan kepala produksi di Udon Entertainment. Jadi dia tidak hanya membuang angka dari atas kepalanya.
Jim Zub telah bekerja di biz komik untuk sementara waktu, jadi ketika dia mengatakan bahwa penjualan 5.000 edisi untuk komik bulanan $ 2, 99 sangat bagus, saya cenderung percaya padanya. Ketika dia mengatakan bahwa dari harga penutup $ 2, 99 itu, kurang dari 2% yang tersisa untuk membayar pengeluaran penerbit dan artis / penulis, saya ngeri dengan kenyataan keuangan yang dia presentasikan.
Angka-angka Jim membuat saya bertanya-tanya mengapa ada orang yang mau menggambar komik di Amerika Utara, jika tidak karena mengambil pengurangan pajak atas kerugian tersebut. Memang, ada indie, komik milik pencipta yang menjual lebih banyak, dan banyak yang menjual lebih sedikit. Tapi wow, jika ini rata-rata … (masukkan sweatdrop di sini).
Angka-angka ini ditawarkan sebagai pertimbangan Anda untuk memberikan sedikit konteks. Tentu, mudah untuk mengatakan, "Ini bekerja di Jepang, mengapa kita tidak bisa melakukannya di Amerika Utara?" Yah, mungkin itu akan terjadi jika kita memiliki 10 kali lebih banyak orang membaca dan membeli komik di sini. Perbedaan dalam skala dan praktik bisnis dari semua tahap ekosistem produksi komik, dari pelatihan seniman muda ke sistem yang mempromosikan karya asli milik pencipta hingga mencetak biaya dan distribusi serta penetapan harga di toko-toko buku di Jepang menyulitkan, jika bukan kadang-kadang mustahil. untuk mereplikasi di Amerika Utara.
Ini bukan hanya masalah mencoba menjual lebih banyak komik superhero, atau lebih banyak manga, atau lebih banyak novel grafis independen - ini masalah mencoba menjual lebih banyak komik, titik. Apakah itu mungkin? Jika kita melihat ke Jepang dan Eropa, jawabannya adalah ya. Tapi bisakah itu ditiru di Amerika Utara? Mungkin, tetapi hanya jika industri komik di sini membuat lebih dari upaya untuk menjangkau pembaca baru, vs hanya melayani ke subset kecil yang sama dari pelanggan toko komik.
Apakah pasar untuk novel grafis memiliki ruang untuk tumbuh di Amerika Utara? Ya, dan satu cara itu bisa menumbuhkannya dengan memanfaatkan pembaca yang tumbuh dengan membaca, mencintai, dan belajar mencintai menggambar dari manga dan menonton anime.
KAMI SUDAH BICARA MASALAH. SEKARANG, DI MANA SOLUSINYA?
Suatu hari, mungkin suatu hari nanti, kita akan melihat generasi pembuat komik yang suka manga ini menciptakan gaya bercerita mereka sendiri yang berbeda, baru, dan inovatif, membuat berbagai jenis cerita, dan mungkin menjangkau pembaca baru. Tetapi bahkan jika industri komik / penerbitan Amerika Utara berubah besok, apakah sudah terlambat? Sudahkah kita kehilangan generasi pencipta komik yang tumbuh dengan mimpi manga, yang telah menyerah pada aspirasi komedi mereka demi karier lain yang lebih menguntungkan dalam film, pengembangan video game, atau bidang lain yang menghargai (dan membayar) keterampilan?
Memang, bahkan dalam skenario terbaik, tidak semua orang yang mengambil pena akan mencari nafkah dari menggambar komik, seperti halnya pemain bola basket sekolah menengah Anda tidak dijamin mendapat tempat di NBA hanya karena mereka cukup berbakat di olahraga. Namun, akan menyenangkan untuk melihat peluang meningkat sedikit dari "hampir tidak mungkin" menjadi "menantang, tetapi bisa dilakukan."
Apa yang perlu terjadi untuk menciptakan ekonomi komik yang dinamis yang dapat menumbuhkan pencipta muda dan membayar mereka dengan upah layak untuk melakukan apa yang mereka sukai: membuat komik? Apakah webcomics jawabannya? Atau mempublikasikan diri sendiri melalui Kickstarter cara untuk pergi ke sini? Atau adakah hal-hal lain yang perlu terjadi untuk menciptakan ekonomi komik yang beragam dan layak bagi pencipta komik asli di Amerika Utara?
Kami tidak akan pergi ke mana pun jika kami hanya duduk dan mengarahkan jari ke pesta-pesta selain diri kami sendiri, dan berkata "Kalau saja (artis / penerbit / pembeli komik) akan berubah …." Setiap orang memiliki peran dalam memperbaiki ekonomi komik yang rusak ini.
Kemana kita pergi dari sini? Sebagai permulaan, berikut adalah 5 cara (diikuti oleh 5 ide lagi di Bagian 6) yang dapat membuat hidup di manga sedikit lebih bisa dilakukan di Amerika Utara, dengan komentar dan saran dari Twitterverse, dari penerbit pro, artis, pakar dan penggemar.
1. PENERBITAN DIGITAL AKAN BUKA PINTU BARU, SESEHOW
Jika ada satu hal yang benar-benar mengubah bisnis penerbitan seperti yang kita kenal, itu adalah penerbitan digital. Dengan kedatangan komputer tablet yang penuh warna dan beresolusi tinggi seperti iPad, tablet Microsoft Surface, dan pembaca e-Book yang relatif murah seperti Kindle dan Nook, kami telah melihat minat pada penerbitan komik online meledak dalam dua tahun terakhir.
Bangkit untuk memenuhi permintaan ini adalah toko komik online seperti:
ComiXology
JManga.com
VIZManga.com, dari VIZ Media
eManga dari Digital Manga Publishing
Dark Horse Digital dari Dark Horse Comics
Top Shelf 2.0, dari Top Shelf Productions
Etalase iPad dan iPhone Yen Press
Etalase iPad Kodansha Comic
Amimaru Manga, penerbit manga berbasis aplikasi Facebook
Semakin banyak judul manga yang tersedia untuk Amazon Kindle dan Barnes dan Noble Nook e-reader setiap hari, termasuk beberapa yang dibuat oleh pembuat konten baru yang menerbitkan sendiri secara langsung ke platform ini. Beberapa penerbit kecil seperti Yaoi Press dan ComicLOUD menawarkan judul mereka secara eksklusif sebagai rilis digital.
Sementara komik bukan fokus utama mereka, beberapa situs web sekarang menawarkan segelintir Blio, Wowio, Apple iBooks, DriveThru Comics dan Graphicly.
Ada juga beberapa situs untuk webcom indie, dengan lebih banyak bermunculan setiap hari seperti:
Manga Reborn
Komik Bento
SmackJeeves
Girlamatic.com
WirePop
GEN Manga
Bagian komik Crunchyroll
Gaijin (Spanyol)
Di antara upaya penerbit besar, perusahaan penerbit online, dan seniman independen, sekarang ada lebih banyak komik, manga, dan novel grafis yang tersedia dalam format digital daripada sebelumnya. Terbaik dari semua, penerbitan digital telah membuat konten ini tersedia untuk lebih banyak pembaca daripada sebelumnya, termasuk pembaca yang biasanya tidak menginjakkan kaki di toko komik, belum lagi pembaca di negara lain.
Apa artinya ini bagi para pencipta manga yang bercita-cita tinggi yang saat ini sedang menghadapi kesulitan dari penerbit komik arus utama? Mungkin kesempatan untuk menjangkau pembaca baru yang biasanya tidak pergi ke toko komik atau konvensi komik. Memang, para pembaca ini harus menemukan situs web yang berbeda ini atau mengunduh aplikasi ini, kemudian menelusuri berbagai situs yang mungkin atau mungkin tidak menawarkan judul yang berfungsi dengan tablet, ponsel atau perangkat e-reader Anda … ini adalah kekacauan besar, dan itu tidak sempurna, tapi begitulah keadaannya sekarang. Ada banyak tindakan, tetapi juga banyak ruang untuk perbaikan.
Tetapi apakah gelombang penerbitan digital ini telah menciptakan hit breakout atau game changer? Sejauh ini, tidak juga. Tetapi jika penimbun yang tumbuh dari Homestuck (yang dibuat untuk digital, webcomic interaktif) cosplayer di comic cons merupakan indikasi, kita mungkin berada di puncak sesuatu yang sangat besar, segera.
"Saya benar-benar berpikir industri komik yang berkelanjutan / beragam dapat dibangun di sini, firasat saya adalah bahwa digital akan menjadi kunci (diatur dengan benar)."
- Sveltlana Chmakova (@svetlania), pencipta komik,, Nightschool, dan
"Aku tidak melihatnya sebagai PRINT yang sedang sekarat. Orang-orang besar yang menimbun semua hasil cetaknya LEBIH. Cetak kecil + digital = masa depan."
- DC McQueen (@dianamcqueen), Editor Girlamatic.com
"Aliran pendapatan alternatif yang muncul (untuk semua media) dan keadaan kacau media lama, dan mungkin yang paling penting, proporsi terbalik antara pengaruh komik dan pengembalian moneter. Dan saya pikir semuanya akan berubah."
- Heidi MacDonald (@Comixace), Editor, penulis Komik Beat
2. PENERBIT: MENGAMBIL KESEMPATAN PADA LEBIH BANYAK PEKERJAAN ASLI DARI PENCIPTA BARU
Salah satu perbedaan utama antara bisnis komik Amerika Utara dan Jepang adalah bahwa pasar Amerika sangat condong ke arah cerita yang didasarkan pada jajaran superhero yang sama yang semula dibuat pada tahun 1940 - 1960-an, sedangkan ada lebih banyak cerita dan karakter yang dimiliki oleh pencipta di Jepang. Kesuksesan The Walking Dead karya Robert Kirkman telah membuktikan bahwa pembaca mau membaca cerita orisinal yang tidak ada hubungannya dengan Superman atau Spider-man. Jadi mengapa itu bukan norma di sini? Mengapa tidak membiarkan lebih banyak pembuat membuat cerita dan karakter asli seperti yang mereka lakukan di Jepang?
Jawaban sederhana? Karena Marvel dan DC menghasilkan lebih banyak uang ketika mereka mempekerjakan pembuat konten untuk melakukan pekerjaan-untuk-menyewa berdasarkan karakter yang mereka miliki, vs. berurusan dengan kekacauan dengan karya-karya milik pembuat seperti Watchmen, novel grafis yang sangat sukses oleh Alan Moore dan Dave Gibbons. Saya tidak bisa menjelaskan semuanya di sini, tapi percayalah, ini sangat berantakan. Lihatlah artikel ini oleh Noah Berlatsky di Slate yang menjelaskan kontroversi untuk non-komik-shop-set.
Dengan menciptakan variasi yang tak ada habisnya pada cerita karakter yang mereka miliki, Marvel dan DC menjaga kekayaan intelektual mereka sepenuhnya di depan pembaca selama beberapa dekade. Itu masuk akal bagi bisnis mereka, tetapi bagi saya, ini tampaknya menjadi resep untuk atrofi kreatif. Berapa banyak kisah Batman yang perlu diceritakan selama 75 tahun sebelum sumur kreatif mengering? Dan mengapa lebih banyak membayangkan ulang cerita yang sama alih-alih mendorong pengembangan cerita dan karakter baru yang bisa mendapatkan tempat mereka dalam panteon budaya pop?
Jika bisnis musik dijalankan seperti industri komik AS, band-band seperti Radiohead akan memproduksi sampul Beatles yang tak ada habisnya. Jika bisnis komik Jepang dijalankan seperti di Amerika Utara, Masashi Kishimoto dan Eiichiro Oda akan menggambar komik Ultra Man dan Kamen Rider sebagai pekerjaan untuk disewa alih-alih diberi kesempatan untuk membuat (dan mendapat untung) dari kreasi asli mereka sendiri, Naruto dan One Piece.
Saya tahu bahwa memanfaatkan kekayaan intelektual yang mapan adalah di mana uang itu berada di AS comix biz, dan mengambil risiko pada penulis dan cerita yang belum dicoba adalah risiko. Ini pertaruhan untuk mencari yang baru, tetapi keadaan saat ini seperti menonton seekor ular memakan ekornya sendiri sambil mencoba memberi tahu semua orang bahwa itu memuntahkan sesuatu yang baru.
"Saya tidak berpikir hal-hal yang diciptakan pemilik sepertinya menguntungkan dalam jangka panjang. Kami agak kesusahan untuk (penerbit), saya pikir."
- Fred Gallagher (@fredrin), Pencipta Megatokyo
"Tampaknya minat pada manga bahasa Inggris asli (OEL) telah menurun di AS, sementara di sini, " Manga Spanyol "semakin baik, bahkan memiliki pasar yang lebih kecil. Seniman AS harus bersatu + meyakinkan penerbit besar bahwa ada baiknya untuk mencoba lagi "Itu yang kami lakukan di Gaijin dan (itu) baik-baik saja!"
"Saya berharap industri bisa melupakan kesalahan masa lalu dan membuat OEL naik lagi. Kualitas ada di sana, saya tahu itu. Tapi mungkin mereka membutuhkan editor atau" kapten "yang baik, sekelompok seniman luar biasa dan banyak dukungan untuk meyakinkan perusahaan dan pembaca:) "
- Kôsen (@kosen_), pencipta Komik Aurora García Tejado dan Diana Fernández Dévora. Daemonium (TokyoPop) dan Saihôshi, The Guardian (Yaoi Press)
"Baris TokyoPop memiliki sedikit / sedikit editorial yang mengerikan pengawasan dan bergegas keluar buku-buku berkualitas rendah, sehingga tidak ada peluang membayar untuk pencipta manga -ish. Saya pikir penerbit (yang) lebih jujur didedikasikan untuk itu bisa melakukannya. "
- Zoey Hogan (@caporushes), Artis komik dan ilustrator
"Berbicara tentang industri manga AS sepertinya terlalu fokus pada permukaan, IMHO. Kartunis harus dibayar, nak."
3. SEKOLAH / GURU SENI: GURU PEMBICARA KOMIK MUDA BAGAIMANA BERHASIL, DI LUAR BELAJAR BAGAIMANA CARA MENGGAMBAR
Berdasarkan sifat mereka dan apa yang diharapkan siswa dari mereka, sebagian besar sekolah seni fokus pada pengajaran seni - cara menggambar, cara melukis, cara mendesain tata letak halaman, logo, jenis kerut, dan piksel dorong. Tapi dari apa yang saya lihat, dengar, dan alami sendiri, sebagian besar sekolah seni tidak menghabiskan cukup waktu untuk mengajar calon seniman apa yang benar-benar mereka butuhkan untuk berhasil: bagaimana mengelola bisnis mereka sendiri dan apa yang diperlukan untuk mendapatkan pekerjaan dan tetap bekerja sebagai seniman profesional.
Anda mungkin sudah sering mendengar istilah "artis kelaparan". Anda mungkin sering mendengarnya dari orang tua setelah Anda memberi tahu mereka bahwa Anda ingin kuliah di sekolah seni atau jurusan seni di perguruan tinggi. Tentu saja, gelar seni tidak menjamin Anda mendapatkan gaji besar atau gaya hidup mewah - tetapi itu juga tidak berarti bahwa menggambar akan membawa Anda ke diet ramen instan dan kehidupan di sebuah apartemen berukuran kotak korek yang suram.
Inilah yang akan menyelamatkan Anda dari memenuhi ramalan kemiskinan ini: mengakui bahwa keterampilan menggambar dan mendongeng Anda sangat berharga, dan meluangkan waktu untuk mempelajari keterampilan yang benar-benar Anda butuhkan untuk mencari nafkah di manga: cara menulis, cara menjual diri Anda dan pekerjaan Anda, dan bagaimana mengelola keuangan, hukum, dan urusan bisnis Anda.
Jika Anda seorang seniman, mengapa Anda perlu belajar tentang masalah bisnis dan hukum? Karena semua bakat artistik di dunia tidak dapat menyelamatkan Anda dari menandatangani kontrak yang buruk jika Anda tidak dapat melihat bahwa itu adalah kontrak yang buruk.
Mengapa seniman perlu belajar tentang (menguap) bisnis, pemasaran, dan akuntansi? Karena bakat tidak akan membayar tagihan Anda jika Anda tidak dapat menjual dan memasarkan pekerjaan Anda secara efektif. Bakat sendirian juga tidak akan membuat Anda bekerja jika Anda tidak secara konsisten memenuhi apa yang Anda janjikan tepat waktu, dan jika Anda berperilaku tidak profesional. Memahami cara kerja bisnis dan pemasaran akan membantu Anda menjadi pemecah masalah yang kreatif yang dapat membawa ide-ide segar ke proyek alih-alih hanya menggambar gambar yang bagus. Dan pajak? Ya, itu bagian dari menjadi seniman yang bekerja juga.
Mengapa seniman perlu belajar cara menulis? Nah, selain diperlukan untuk menulis cerita bagus yang ingin dibaca orang, keterampilan menulis juga berguna ketika Anda menulis surat kepada penerbit, atau mengajukan permohonan hibah, atau menulis resume Anda untuk melamar pekerjaan - tidak hanya pekerjaan komik, tetapi pekerjaan APA SAJA, Titik.
Jika impian Anda termasuk menerbitkan karya Anda di Jepang, peluang tipis kesuksesan Anda di ibu pertiwi manga menjadi sedikit lebih baik jika Anda belajar cara berbicara dan membaca bahasa Jepang. Mengapa? Karena editor lebih suka bekerja dengan pencipta mudah untuk dikerjakan. Tanyakan kepada diri sendiri: Mengapa editor Jepang berusaha keras untuk bekerja dengan artis yang mereka tidak dapat berkolaborasi secara langsung atau melalui email, terutama ketika tidak ada kekurangan bakat Jepang? Dan tidak, berbicara bahasa Inggris perlahan tidak akan memotongnya. Wakarimaska?
Tentu, seniman yang sukses sering mengajarkan sendiri keterampilan ini, atau mempelajarinya dengan cara yang sulit dengan membuat kesalahan. Tetapi jika sekolah seni / perguruan tinggi akan mengenakan biaya puluhan, bahkan ratusan ribu dolar untuk biaya kuliah, perguruan tinggi, mereka akan mengajari siswa mereka keterampilan yang mereka butuhkan untuk mendapatkan pekerjaan, sehingga suatu hari nanti mereka dapat membayar kembali orang-orang yang humungous pinjaman mahasiswa. Beberapa sekolah seni yang tercerahkan sudah menawarkan kelas-kelas ini, tetapi dengan berbagai tingkat kedalaman dan kegunaan. Bahkan jika kelas-kelas ini tersedia, masih tergantung pada siswa untuk meluangkan waktu untuk mengambil kelas-kelas ini.
Jika sekolah seni Anda tidak mengajarkan hal-hal ini kepada Anda, atau Anda melewatkan mengambil keterampilan ini di sepanjang jalan … yah, belum terlambat untuk belajar. Ingat, seorang seniman yang profesional, konsisten, memiliki sikap yang baik, dan selalu mau belajar umumnya jauh lebih banyak dari yang berbakat tetapi tidak dapat diandalkan, defensif, dan negatif. Hanya mengatakan.
"Di Amerika, pahlawan olahraga masa depan mendapatkan penguatan positif saat muda: penghargaan, pujian, $$$. Bagaimana kita bisa melakukan ini untuk pahlawan komik di masa depan?"
"Ketika saya masih muda, saya diberitahu bahwa komik itu bodoh, untuk mendapatkan pekerjaan nyata, dll. Hanya kebodohan semata-mata membuat saya sejauh ini. Saya pikir ini akan berubah. Orang-orang di komik Amerika memiliki sikap pengecut yang omong kosong. Kepositifan sebenarnya menular, kamu idiot bodoh. "
"Di Jepang mungkin ayahmu tidak ingin kamu menjadi manga-ka, tapi setidaknya kamu tahu orang menjadi kaya dan terkenal dari manga. Kamu bisa bercita-cita untuk itu. Kita perlu menciptakan kondisi yang mendorong pengembangan kartunis muda. Kami kehilangan begitu banyak kartunis potensial ke bidang lain:("
- Bryan Lee O'Malley @radiomaru, Pencipta Scott Pilgrim (Oni Press)
"Saya mendapat gelar master dang dalam buku lucu dan saya hanya perlu mengambil SATU kelas yang berhubungan dengan penulisan: scripting. Ini seharusnya tidak. Saya secara konsisten terkejut bahwa info dasar tentang struktur kisah tiga babak, pengembangan karakter mendasar tidak diajarkan lebih."
- Ben Towle (@ben_towle), Pencipta Perang Oyster
"Orang-orang berpikir bahwa bakat adalah cara orang ditemukan, seperti mereka menemukan Anda karena Anda begitu luar biasa dan berbakat, tetapi ini sebenarnya tentang menjual diri Anda sendiri. Ini hal yang sulit dilakukan, tetapi Anda tidak dapat mengharapkan mereka datang kepada Anda.. "
- Heather Skweres (@CandyAppleCat), Artis, pengumpul mainan, dan fotografer
4. SENI: DIinspirasikan OLEH, TAPI TIDAK DIBATASI OLEH MANGA
Setiap seniman memulai dengan meniru gaya pencipta yang paling mereka kagumi. Tetapi para seniman yang benar-benar unggul dalam bidang ini menerima inspirasi, menggambar, menggambar, dan menggambar lebih banyak lagi sampai gaya menggambar dan mendongeng yang unik dan berbeda muncul.
Seniman yang sukses juga memiliki gaya yang dibangun di atas dasar yang kuat dari dasar-dasar: anatomi, perspektif, cahaya / bayangan / warna, cerita grafis dan mondar-mandir. Jika Anda tidak mempelajarinya di sekolah, maka ambillah salah satu dari banyak buku hebat seperti Understanding Comics oleh Scott McCloud, Drawing Words and Writing Pictures, dan Mastering Comics, baik oleh Jessica Abel dan Matt Madden untuk mendapatkan kursus kilat dalam hal ini. keterampilan -tahu.
Artis yang bercita-cita tinggi juga perlu menghabiskan lebih banyak waktu menggambar cerita, hanya saja tidak hanya ilustrasi pin-up. Jika Anda tetap dengan hanya menggambar seni penggemar Naruto mencium Sasuke - well, Anda cukup banyak menghambat pertumbuhan Anda sebagai seorang seniman. Buatlah cerita yang bermakna bagi Anda, yang mungkin berasal dari pengalaman Anda sendiri, bukan hanya salinan dari apa yang Anda baca di manga favorit Anda.
Juga, perluas wawasan Anda dengan membaca semua jenis buku dan komik Amerika dan Eropa, indie, dan arus utama - bukan hanya manga. Manga Jepang memang luar biasa, tetapi ada banyak dunia komik di luar sana untuk dijelajahi dan dinikmati. Bahkan seniman manga seperti Katsuhiro Otomo (Akira), Jiro Taniguchi (The Walking Man), Osamu Tezuka (), dan Monkey Punch (Lupin III) terinspirasi dan dipengaruhi oleh membaca komik Eropa dan Amerika.
Tidak apa-apa menggunakan manga Jepang sebagai titik awal, tetapi tidak bisa di mana Anda tinggal selama sisa karir artistik Anda. Untuk benar-benar menonjol dan berhasil dalam bisnis ini, Anda harus tahu cara menggambar cerita, dan menggambar dengan gaya yang benar-benar milik Anda; bukan hanya salinan dari apa yang dilakukan (dan dilakukan lebih baik) oleh seniman di Jepang.
"Saya tidak lagi berada di Amerika Utara, tetapi saya pikir kita sudah berada di sana untuk sementara waktu. Banyak seniman luar biasa telah membaca secara luas dan mengembangkan gaya hibrida yang kuat, unik, hibrida, dari manga -teen asal. Berbagai hal dibuka & dikembangkan lebih dari waktu."
- Sally Jane Thompson (@SallyThompson), pencipta komik lepas dan ilustrator, pencipta From! dan kontributor 1000 Gagasan oleh 100 Seniman Manga (Penerbit Rockside)
5. PENCIPTA: MENDAPATKAN DARI ARTIS YANG MUNGKIN PIN-UP GHETTO DAN DRAW CERITA, MEMBELI
Menggambar komik bukanlah karir yang mudah dengan imbalan yang dijamin - di Jepang atau Amerika Utara. Bahkan dalam skenario terbaik, selalu ada lebih banyak orang yang ingin menggambar komik daripada ada pekerjaan yang menguntungkan untuk mereka semua.
Ya, cukup sulit untuk mendapatkan penerbit untuk mengambil cerita komik asli oleh artis yang tidak dikenal untuk publikasi. Juga sangat mudah bagi seniman yang bercita-cita untuk mengarahkan jari mereka pada penerbit dan berkata, "Anda tidak memberi kami kesempatan." Tetapi berbicara sebagai seseorang yang telah membaca bagiannya dari komik yang diterbitkan sendiri (dan arus utama) yang sedang-sedang saja, hanya karena Anda menggambarnya dan teman-teman Anda menyukainya, tidak berarti itu selalu layak dibaca atau dibeli.
Ya, rasa dan gaya adalah subyektif, tetapi ada beberapa dasar yang sering kurang dalam banyak karya seniman pemula - hal-hal seperti karakter yang menarik dan menarik. Dialog yang tidak membuat Anda memutar mata. Bercerita grafik yang serba bagus dan mudah diikuti. Plot yang tidak membuat Anda berpikir, 'Apa yang baru saja terjadi, dan saya benar-benar peduli bahkan jika saya mengetahuinya?' Dan gambarnya! Oh, gambarnya … anatomi yang salah, perspektif, cahaya dan bayangan, ekspresi wajah, di mana saya mulai?
Pembuat komik di Jepang atau Eropa atau Amerika Utara mungkin menggambar dalam gaya yang berbeda, tetapi yang berhasil secara konsisten tahu bagaimana mengeksekusi dasar-dasarnya, dan melakukannya dengan konsisten dengan baik. Inilah yang akan membuat perbedaan antara menjadi penggemar yang bisa menggambar dan seorang profesional yang dapat membuat cerita yang menarik dan bernilai $ 10- $ 20 yang digunakan oleh sebuah novel grafis saat ini.
Salah satu perbedaan utama antara bagaimana beberapa pembuat komik Jepang mengasah keterampilan mereka (dan menghasilkan uang saat melakukannya) adalah dengan menggambar komik penggemar atau doujinshi. Dengan menggambar cerita berdasarkan karakter populer dan alur cerita yang dibuat oleh seniman lain, seniman pemula dapat fokus pada pengembangan keterampilan menggambar dan bercerita mereka. Mereka juga mendapat manfaat dari fanbase 'hanya-tambahkan-air' yang lebih ingin membeli komik yang diterbitkan sendiri berdasarkan karakter yang sudah mereka kenal dan cintai. Oke, mereka sering cabul, jadi ada aspek popularitas doujinshi - tetapi hasil akhirnya adalah banyak seniman pemula mendapatkan kesempatan untuk membuat dan meningkatkan, menghasilkan uang, mendapatkan pengalaman menjual karya mereka, dan diperkenalkan ke yang baru pembaca / penggemar.
Setara terdekat dari 'pelatihan' semacam ini yang berasal dari menggambar komik berdasarkan cerita populer adalah adaptasi novel grafis dari novel dewasa muda terlaris, seperti Twilight, In Odd We Trust and Soulless, diterbitkan oleh Del Rey dan Yen Press.
Banyak seniman ' manga ' Amerika Utara tahu dan mengagumi budaya doujinshi Jepang, tetapi menemukan bahwa fenomena ini hampir mustahil untuk diciptakan kembali di Barat. Undang-undang hak cipta AS tidak memaafkan 'seni penggemar' demi keuntungan, tetapi ada juga alasan lain mengapa budaya doujinshi sulit untuk diimpor: biaya pencetakan tinggi. Banyak pencipta komik barat mencoba untuk menerbitkan sendiri, tetapi sering menemukan bahwa biaya pencetakan jangka pendek (200 eksemplar) memaksa mereka untuk menjual komik asli mereka dengan harga yang jauh lebih tinggi daripada kebanyakan pembeli bersedia membayar untuk sebuah cerita / karakter yang belum pernah mereka lihat sebelumnya oleh pencipta yang belum pernah mereka dengar sebelumnya. Apa yang lebih murah untuk dicetak, lebih cepat untuk dibuat dan lebih mudah dijual? Pin-up art / poster.
Saya tahu bahwa seni pin-up adalah apa yang dijual di lorong-lorong seniman konvensi anime, dan saya tahu bahwa faktor-faktor ekonomi membuat membuat / mencetak komik yang diterbitkan sendiri menjadi tidak praktis, tetapi sayang jika seni pin-up adalah tempat sebagian besar pencipta yang bercita-cita tinggi akhirnya berfokus. energi kreatif mereka. Menggambar pin-up baik-baik saja, tetapi jika semuanya berakhir dengan baik, maka Anda seorang ilustrator, bukan seorang pendongeng grafis.
Dari apa yang saya amati di pertunjukan komik, artis " manga " yang benar-benar tampak meningkat dengan cepat, mengembangkan gaya mereka sendiri, dan karena itu memiliki kesempatan terbaik untuk melakukannya di Amerika Utara adalah mereka yang telah meninggalkan anime seniman konvensi lorong di belakang untuk memfokuskan energi mereka ke arah menggambar komik indie atau webcomics.
Apakah Anda menggambar dengan pengaruh manga yang kuat atau tidak, cukup buat komik yang bagus. Hasilkan banyak dari mereka, dan tantang diri Anda untuk meningkat dengan setiap cerita yang Anda buat. Letakkan pekerjaan Anda sebanyak mungkin di sana. Poskan karya seni Anda di situs-situs seperti Deviant Art atau Manga Magazine, dan mintalah tanggapan orang-orang. Ketika Anda mendapatkan umpan balik, pelajari cara menerima kritik yang membangun dengan anggun dan penuh rasa terima kasih, dan memasukkannya ke dalam pekerjaan Anda. Ini bisa menyakitkan, tetapi jika Anda serius beralih dari penggemar ke pro, ini adalah keterampilan penting yang perlu Anda kuasai, selain mengetahui cara menggambar.
Jika Anda menginginkan umpan balik dari ibu perti manga, cobalah keberuntungan Anda dan kirimkan cerita ke kontes yang disponsori oleh penerbit Jepang dan organisasi budaya yang bertujuan menyoroti bakat baru dari luar Jepang.
Morning International Comics Competition (MICC), disponsori oleh Weekly Morning Magazine dan Kodansha. Entri jatuh tempo Juli 2013
Kompetisi Penghargaan Manga Internasional - disponsori oleh Kementerian Luar Negeri Jepang - entri jatuh tempo Juni 2013
Manga Audition, disponsori oleh Comic Zenon Magazine - (kiriman harus berupa cerita tanpa kata berdasarkan tema tertentu) Entri yang jatuh tempo: Maret 2013
Shonen Jump Treasure Competition (pengiriman harus dalam bahasa Jepang) - jatuh tempo bulanan
Yen Press juga mengadakan pencarian bakat tahunan baru, mencari artis baru, yang sedang naik daun, dan semi-pro. Sebelum Anda menyiapkan entri Anda, periksa apa yang dikatakan editor Yen Press JuYoun Lee tentang entri sebelumnya, dan tipsnya untuk seniman yang berpikir tentang mengirimkan cerita.
"Saya harus mengatakan itu menarik bahwa komunitas kreatif masih memiliki percakapan" harus / bisa / apakah kita menyebutnya manga ? "… Kualitas bahan yang akan menentukan penerimaan pembaca (atau penolakan) dari pembaca materi, manga, arus utama, atau lainnya. Pada akhirnya, itu semua adalah komik. Namun, label masih memiliki kelebihan meskipun mungkin bukan karena alasan yang diasumsikan semua orang. "
- Yen Press (@Yenpress), Penerbit manga Jepang dan novel grafis asli
"Saya pikir masalahnya adalah sebagian besar seniman baru merasa bahwa seni akan menjual seluruh produk dan tidak ada yang memperhatikan cerita (itu). Ini adalah hal kepuasan yang cepat: Anda mendapatkan lebih banyak pujian untuk seni sebelum ada yang membaca. Saya bersimpati untuk para seniman, tetapi saya tidak akan membeli barang-barang mereka karena kasihan. Mereka hanya perlu mendapatkan lebih banyak pengalaman. "
- Jonathan Morales (@king_puddin), ilustrator lepas
"Pembuat dan penerbit sama-sama perlu memastikan mereka mengeluarkan KOMIK YANG BAIK! Jika Anda membuatnya, mereka akan datang. Tentu saja, tidak semua pada penerbit untuk memperbaiki hal-hal. Pencipta benar-benar perlu meningkatkan, memiliki keterampilan, dan tahu apa sedang mereka lakukan. "
"Memiliki ulasan portofolio TokyoPop mengubah cara saya memandang komik dan karya seni saya. Kasar untuk didengar, tetapi titik balik dalam seni saya."
- Deanna Echanique (@dechanique), Pencipta Kindling dan La Macchina Bellica
UPDATE: Evan Liu, mantan penulis untuk fitur Galeri The Anime News Network (yang menyoroti pencipta komik yang akan datang), yang sekarang menjadi direktur PacSet Tours.
Dalam sebuah posting Tumblr berjudul "Kesenjangan antara OEL Manga dan Artist's Alley", Liu mengemukakan beberapa poin bagus tentang bagaimana dan mengapa banyak seniman baru, profesional dan semi-pro memamerkan dan menjual karya seni mereka di Artists 'Alley.
"Orang-orang perlu berhenti berasumsi bahwa setiap orang di Artist's Alley ingin menggambar manga secara profesional. Tentu saja, beberapa orang melakukannya, tetapi ada banyak, banyak seniman di gang yang puas hanya dengan menjadi ilustrator yang hebat."
